摄影是用照相机等器材摄取对象影像的过程。它首先是一种技术，作为创造视觉对象的一种形式，也可以理解为一种艺术。对于一个绘画创作者来说，利用事先采集的一些照片资料，根据创作需求主动获取图片信息来进行绘画创作，或是采用摄影中的一些效果来处理自己的创作画面，以达到最终目的，画面恰当地传达创作者的创作思想，这都是无可非议的。创作者利用照相机有意识地收集资料，这个过程从某种角度上来说已经是创作的一部分；至于采用摄影的一些表现技法，或利用摄影的一些特点于绘画中更只是艺术间的一种互动关系的体现。
一、摄影产生后绘画界的反应
摄影的问世，曾经在西方艺术界引起了巨大的波澜。其技术的飞速发展，一方面向西方现代艺术家提出了严重的挑战，另一方面又有力地鼓舞了画家利用这一科技成果的信心。然而，不管是鄙视还是无所谓的态度，它毕竟是存在了，且高速发展。绘画从某种方面可以说，在照相发明以后就或多或少地受到了影响，包括画家的个人心态。当摄影被称为也是一种艺术时，曾受到安格尔等一些领衔人士的书面抗议，他们认为：“艺术作品产生于智慧和对艺术的学习，照相永远无法与之相比。”但是，也有一些绘画大师对于照相的产生有着中肯、精辟的议论。如写实派画家米勒就认为，照相可以当作一个参考资料，或者用于教学。他说：“照相如同从人身上翻铸下来的石膏模型，永远比不上一个好的雕塑那样高妙。但是，如果我们如同使用人体模特那样使用照相，那是会有很大用处的。”他的话一如他的画风，平易近人，却又蕴含让人值得深思的道理。色彩大师德拉克罗瓦说：“一副银板照相胜过一般的描绘，它是对象的镜子。在描绘自然的素描中，某些细部几乎全被忽视，而在照相中却显现其重要特征……照相引导艺术家去获得对象的结构之全面知识。”照相能抓住人眼所忽略的细节，而细节对于敏感的创作者来说有时就是另一次创作体会。摄影给画家带来了观察世界的新视野、新方式、新感受。同时摄影的独特技法也为现代画家，为突破经验绘画提供了借鉴的意义。值得特别指出的是，摄影和绘画均要保持自己独立的品格，各自的存在才具有价值和意义。
事实上，照相的产生，艺术创作者以照相作为蓝本，或画风受到照相的影响，终究是不可避免和不可阻挡的趋势。安格尔是以严谨著称的素描大师，曾经反对把照相列入艺术的殿堂，但在他的《泉》中的少女形象，就是根据摄影家纳达尔于1856年所摄的照片描绘的。照相现实主义者则大量借用照相机搜集素材，原因是他们认为照片可以使现实具体化，可以概括凝固一个视觉现象的最适度瞬间，从而捕获奇妙的影像和随即而逝的感受。
二、摄影技术高度发展与绘画创作互动关系的体现
在某些时候，利用摄影于绘画创作中能更好地体现创作者的创作思想。如利用照相艺术表现对象的瞬间动态，学习照相艺术中的光影处理，利用景深原理对画面进行效果处理，重现瞬间的色彩印象。其次，依据照片作画也可获得其他方法达不到的某些效果。焦点、景深的突变，各种角度的透视变化，这些均是镜头物理性能造成的。利用照片作为题材和主题也就开辟了镜头所摄下的现实和人眼所看到的现实之间的对话。对于有些题材，比如抗洪抢险、战争等，艺术家想要准确表现一种感觉，一种思想，除了借用一些及时的小型速写参考以外，照片资料参考的运用这时就显得格外的重要。 画家黄铁山是一位执著从事水彩艺术而独具风格的画家。曾经看到过他的一些自我创作介绍，他在室外大多是作速写性质的绘画，并有意识地对绘画的对象进行拍照。在进行创作时，通过结合当时速写的一些感受，并同时在多张照片资料的辅助下，根据创作需要进行画面重组，整个创作中充分融入了创作者的主观感受。
在绘画对摄影的一些东西进行参考的同时，一些绘画作品同样对摄影存有不同程度的影响。比如一些时装摄影借鉴某一时期的画派、画风作为照片的表现风格。美国时装摄影师史蒂文·梅塞尔拍的一组时装故事“A Renaissance Romance”就揉进了欧洲古典主义的绘画风格。他们通常是通过模仿绘画中的场景摆设以及对自身的化妆来达到与仿照的绘画惟妙惟肖的目的，从而表达他们对传统、社会、性别等方面的看法。作为创造视觉对象的两种重要形式，绘画和摄影在技术发展和人类成长的不同阶段，具有不同的地位，体现不同的生活观念，对人的生命体验具有不同的意义。
三、主动获取绘画信息，寻找一种最合适的表现手法体现创作精神
绘画是一个和谐的动作，不仅需要画家的眼睛和手，而且需要整个身心——想象、思索和记忆。画上的东西不能让人觉得是处于偶然或某种机缘被“扔”在一起，它们之间应有一种有力的、不可缺少的联系，一幅画上所有的东西必须为同一目的出现。绘画者在创作之前对创作的内容、表现方式和最后传达的精神应该是有所思、有所想的，而这也就是作品的“性格”。罗丹认为：有“性格”的作品才是美的。对于绘画者来讲，“性格”蕴含不同的意义，是绘画者艺术生命的体现。探索自我表现方式，寻找合适的表现主题正是一个绘画者的一生追求。而仅仅被动地模仿或摹写是为真正的艺术者所不耻的。
